Renato Bezerra de Mello | Curtas docummentais single

Tudo o que é frágil brilha sem medo do esplendor | 2025-26

O palimpsesto de Renato Bezerra de Mello

Curta documental realizado por ocasião de exposição individual no Paço Imperial, Rio de Janeiro - Brasil

Filmagem e edição: a&f art films

Texto curatorial: Paula Terra-Neale

{"time":1772724408294,"blocks":[{"type":"paragraph","data":{"text":"Renato é um artista-pesquisador cuja trajetória singular entrelaça a experiência como arquiteto-restaurador ao sonho juvenil de arqueólogo e, nesta exposição, celebra 25 anos de trabalho."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"As obras oferecem um espetáculo: o brilho e a translucidez do cristal, a exuberância cromática e as belas imagens de ruínas, enquanto nos acalentam com o tilintar dos cristais e a chuva sobre os escombros. Contudo, ao empregar uma rica variedade de linguagens, técnicas e suportes, ele potencializa a capacidade expressiva da obra. E convoca-nos a apreender o seu fundamento conceitual. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Sua atitude de colecionar, cuidar, organizar e conservar fragmentos, dando vida ao que foi descartado, é estrutural. A reciclagem é seu método. Renato desmonta e remonta obras, contextualizando-as em diferentes versões, revelando camadas de significado no processo de criação, seu palimpsesto. Analisa, reconstrói e reconfigura, dialogando com a poesia, a música e a história. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"A obra nasce do encontro com traços e marcas, significantes residuais que o material traz, imbuídos de sua história. Ele os chama \"achados”, como uma revelação ou epifania, uma descoberta quase mística. Em algumas obras, os materiais reutilizados já vêm preenchidos de uma expressividade ancestral — lenços paternos antigos, cacos de cristal reciclados, sons e vídeos das ruínas da fábrica do avô no Recife, coletados ao longo do tempo. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Apesar de novos, alguns trabalhos reutilizam os cacos de cristal guardados há 21 anos desde a mostra Memórias Heterogêneas do Castelinho no Flamengo. A inspiração teve origem na destruição das taças colecionadas ao lado de seu marido, enquanto ouvia Marina Lima interpretar: \"Quem vai colar os caquinhos do velho mundo?\" Na instalação Sou taça de cristal lançada ao mar (2004), o artista confrontava as ruínas de uma sociedade colonialista e conservadora. Agora, aqui, ele utiliza os fragmentos daquela obra e nos diz que relaciona a quebra dos copos à demolição da residência de seus pais no Recife, bem como às ruínas da fábrica de seu avô. Sustenta que se trata de uma ruptura e de uma transformação. Sem nostalgia? "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Sua obra apresenta um forte elemento biográfico que reflete seus conflitos identitários. Jovem, migra de Pernambuco para o Rio. Sente, sobretudo, a ausência afetiva de seu círculo familiar feminino: irmãs, tias e primas. Filho único de uma família com cinco irmãs, enfrenta também um conflito de identidade ao assumir-se gay em uma família tradicional nordestina. Mais tarde, no exterior, o exílio acentua a crise que o leva a rever sua identidade e a escolher as artes como profissão. Participa de um intercâmbio em Paris, organizado pela EAV Parque Lage. Na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, estuda com Annette Messager e Christian Boltanski. Com eles sua obra compartilha interesses pelo universo doméstico, pelo tempo, pelo destino e pela condição humana. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Desde o início de sua produção, Renato trabalha com conceitos hoje em voga: ancestralidade, ruínas, memória e deslocamento. Sua reflexão filosófica existencial, linguagem desconstrutiva e abordagem fenomenológica da obra não derivam de teorias abstratas, mas de sua vivência. Ao entrelaçar sua narrativa autobiográfica à de seus contemporâneos, ele questiona causas sociais: como a migração, as perdas e a marginalização, bem como o trauma do estigma social (ele viveu a crise da AIDS nos anos 1980). Reconhece seu passado de privilégios e a importância de revê-los para combater valores conservadores. Revela a profunda empatia que permeia seus trabalhos ao enfrentar estruturas que promovem exclusão, como o genocídio indígena, o racismo e a homofobia. Além disso, recicla trabalhos, posicionando-se contra a catástrofe ecológica e a exacerbada mercantilização das artes."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Ele está sempre convertendo os signos em fragmentos de uma linguagem expressiva e polivalente, sugerindo que a compreensão é influenciada pelo que foi deixado de fora ou adiado. Percebemos que a linguagem é outro aspecto-chave do seu pensamento artístico desconstrutivo. Assim como a memória, a linguagem é dinâmica, funcionando por meio de diferenças e adiamentos. Os seus títulos de obras também revelam alteridade. Por exemplo, em Quebrou, não tem mais jeito, ele retorna aos versos que inspiraram a obra de 2004: “Pátrias, famílias, religiões. E preconceitos. Quebrou, não tem mais jeito.” Essa dicção coloquial e prosaica dos temas tão caros à literatura, o interessa: a poesia na simplicidade das experiências do mundo, a reflexão sobre grandes temas como morte e vida, as dimensões trágicas do mundo. Nesta obra, bordados delicados com o motivo de desenhos de cacos, feitos em três lenços de bolso, relíquias de seu pai, acompanham o nome paterno já bordado pelas freiras em um convento de Olinda. Uma disparidade no mundo de hoje."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"A poética da mostra completa-se com a instalação sonora Suzy & Françoise, que inclui o tilintar de cristais quebrados na caixa de cacos, presenteada por Françoise após sua gata Suzy quebrar os cristais Lalique ao invadir a cristaleira. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Em É Vida, apresenta uma instalação, uma obra única, com dois vídeos editados a partir de fotos e de vídeos realizados nas ruínas da fábrica têxtil da Macaxeira. Em cores, as ruínas de prédios da fábrica, antes salas de fiação, tecelagem, fornos e oficinas; em preto e branco, as ruínas da Casa Grande, como eles chamavam a residência da família na fábrica. Ele diz: “Um título pomposo que guarda sua herança colonial para uma fábrica que se pretendia moderna”. Ambos mostram a exuberância vegetal da natureza tropical, que invade e consome as edificações abandonadas, substituindo a decadência de estruturas metálicas e vidros quebrados por uma abundância que celebra a vida. Uma poesia visual, com imagens que delimitam a memória e sugerem uma eternidade inalcançável. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Tem interesse pela poética das ruínas, não como no Ruinlust clássico-romântico, como citado em Diderot, da mostra na Tate Britain, Ruin Lust: “As ideias que as ruínas evocam são grandiosas. Tudo chega ao nada, tudo perece, tudo passa, somente o mundo permanece, somente o tempo perdura. Quão antigo é este mundo! Caminho entre duas eternidades.” Mas como metáfora do colapso dos valores herdados, refletindo mudanças ambientais e a natureza do tempo. O vidro reflete essas mesmas questões: um copo quebrado lembra a impermanência, o momento presente e nossa temporalidade. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Em Caquinhos, desenhos feitos com cacos resgatados, o artista realiza uma composição intuitiva de fragmentos que formam desenhos livres e coloridos, alinhados por suas arestas cortantes. Trata-se de uma geometria do tato. Há uma imaginação infantil nas construções lúdico-espaciais, que talvez reflitam o sonho de liberdade do artista. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Nos Amalgamados, círculos translúcidos de cristal e vidro fundidos a altas temperaturas, ele compõe os cacos perdidos numa cabaça de argila e, ao fundi-los, completa a transmutação do lixo em obra. Como um alquimista, quer devolver os cacos ao seu estado original: minerais ou pedras. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Os Estilhaçados, peças ínfimas, quase pó de vidro, são amontoados nos restos das formas de argila dos Amalgamados e mostram que a obra e sua beleza nascem do desastre. Não importa mais a beleza do objeto utilitário, mas a preciosidade do fragmento, na redução da matéria ao universo das coisas mínimas. Consciente de que sistemas herdados impulsionam o colapso, Renato propõe que, para sobreviver ao desastre, será preciso começar pelos caquinhos e retornar ao pó. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Nas tradições espiritualistas, o ato de quebrar objetos representa a liberação de energias negativas e a criação de espaço para o novo. No palco da Galeria Terreirinho, as obras se articulam como um quebra-cabeça, um grande ritual que celebra a potência lúdica, evidenciando o jogo de transformações da obra e da vida em perpétuo devir, sempre em reinvenção. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"O trabalho afirma as infinitas possibilidades de reconstrução e regeneração diante da fragilidade, ecoando proposições como Caminhando, de Lygia Clark, ou as Droguinhas, de Mira Schendel. Contra a distopia, Renato revela a magia da arte capaz de sustentar paradoxos em seu palimpsesto. Dele, extrai a beleza poética que se manifesta na vulnerabilidade histórica e, nele, afirma a insustentabilidade de um passado ancorado em estruturas hierárquicas. "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Colecionador de destroços, apreciador do frágil, Renato transforma cacos em preciosidades e nos oferece o espetáculo esplendoroso do acontecimento da arte. Como poetizou Armando Freitas Filho: \"Tudo o que é frágil brilha sem medo do esplendor.\" "}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Paula Terra-Neale Curadoria"}}],"version":"2.18.0"}

All that is fragile shines without fear of splendour | 2025-26

The palimpsest of Renato Bezerra de Mello

Short documentary created for the individual exhibition at Paço Imperial, Rio de Janeiro - Brasil

Audiovisual production: a&f art films

Leaflet curatorial text: Paula Terra-Neale

{"time":1772724444901,"blocks":[{"type":"paragraph","data":{"text":"Renato is an artist-researcher whose singular trajectory interweaves his experience as an architect-restorer with his youthful dream of becoming an archaeologist, and in this exhibition, he celebrates 25 years of work."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"The works offer us a spectacle: the brilliance and translucency of crystal, the chromatic exuberance and the beautiful images of ruins, while they soothe us with the tinkling of crystals and rain over the rubble. However, by employing a rich variety of languages, techniques and supports, that enhances the expressive capacity of the work, he also summons us to apprehend its conceptual foundation."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"His attitude of collecting, caring for, organizing and preserving fragments, giving life to what has been discarded, is structural. Recycling is his method. Renato dismantles and reassembles works, contextualizing them in different versions, revealing layers of meaning in his creative process, his palimpsest. He analyses, reconstructs and reconfigures, dialoguing with poetry, music and history."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"The work is born from the encounter with traces and marks, residual signifiers that the material carries, imbued with its history. He calls them \"findings\"(achados), like a revelation or epiphany, an almost mystical discovery. In some works, the reused materials already come filled with an ancestral expressiveness — old paternal handkerchiefs, recycled crystal shards, sounds and videos from the ruins of his grandfather's factory in Recife, collected over time."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Despite being new, some works reuse the crystal shards saved for 21 years since the Heterogeneous Memories exhibition (Memórias Heterogêneas) at Castelinho do Flamengo. The inspiration for the work originated from the destruction of the glasses collected alongside his husband, while listening to Marina Lima perform: \"Who will glue together the shards of the old world?\" In the installation I Am a Crystal Glass Thrown into the Sea (Sou taça de cristal lançada ao mar, 2004), the artist confronted us with the ruins of a colonialist and conservative society. Now, here, he uses the fragments from that work and tells us that he relates the smashing of the glasses to the demolition of his parents' residence in Recife, as well as to the ruins of his grandfather's factory. He maintains that it is about rupture and transformation. Without nostalgia?"}},{"type":"paragraph","data":{"text":"His work presents a strong biographical element that reflects his conflicts of identity. As a young man, he had migrated from Pernambuco to Rio. He missed his large family and above all, the affection of his female family circle: sisters, aunts and cousins. As an only son, in a family with five sisters, he also had to face an identity conflict when coming out as gay in a traditional northeastern family. Later, abroad, exile accentuates the crisis that has led him to reconsider his identity and choose the arts as a profession. At that time, he participated in an exchange program in Paris, organized by EAV Parque Lage, at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, where he studied under Annette Messager and Christian Boltanski. With them his work shares interests in the domestic universe, time, destiny and the human condition."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"From the beginning of his production, Renato works with concepts in vogue today: ancestry, ruins, memory and displacement. His existential philosophical reflection, deconstructive language and phenomenological approach to the work do not derive from abstract theories, but from his experiences lived through. By interweaving his autobiographical narrative with that of his contemporaries, he questions social causes: such as migration, losses and marginalization, as well as the trauma of social stigma (he lived through the AIDS crisis in the 1980s). He acknowledges his past of privilege and the importance of reviewing it to combat conservative values. Through his work he reveals the profound empathy that permeates them, when confronting structures that promote exclusion, such as indigenous genocide, racism and homophobia. Moreover, he recycles works, positioning himself against ecological catastrophe and the exacerbated commodification of the arts."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"He is always converting signs into fragments of an expressive and multivalent language, suggesting that our understanding is influenced by what has been left out or deferred. We perceive that language, per se, is another key aspect of his deconstructive artistic thinking. Like memory, language is dynamic, functioning through differences and deferrals. His work titles also reveal alterity. For example, in It Broke, There's No Fixing It, he returns to the verses of the music that inspired the 2004 work: \"Homelands, families, religions. And prejudices. It is all broken, there's no fixing it.\" He shows interest in this colloquial and prosaic diction of themes dear to the literature: poetry in the simplicity of worldly experiences, reflection on grand themes like death and life, the tragic dimensions of the world. In this work, delicate embroideries with the motif of shard drawings, made on three pocket handkerchiefs, relics of his father, accompany the paternal name already embroidered by nuns from a convent in Olinda. A disparity in today's world."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"The poetics of the exhibition is completed with the sound installation Suzy & Françoise, which includes the tinkling of broken crystals in the box of shards, gifted by Françoise after her cat Suzy broke the Lalique crystals by invading the display cabinet."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"In It's Life, he presents an installation, a unique work, with two videos edited from photos and videos taken from the ruins of the textile factory of his grandfather in Macaxeira. In colour, the ruins of factory buildings, formerly spinning rooms, weaving areas, furnaces and workshops; in black and white, the ruins of the Big House, Casa Grande, as they called the family residence at the factory. He says: \"A pompous title that emphasizes its colonial heritage for a factory that aspired to be modern.\" Both show the vegetal exuberance of a tropical nature, which invades and consumes the abandoned buildings, replacing the decadence of metal structures and broken glass with an abundance that celebrates life. A visual poetry, with images that delimit memory and suggest an unattainable eternity."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"He is interested in the poetics of ruins, not as in the classical-romantic Ruinlust, as cited in Diderot, from the Tate Britain exhibition, Ruin Lust: \"The ideas that ruins evoke are grandiose. Everything comes to nothing, everything perishes, everything passes, only the world remains, only time endures. How ancient is this world! I walk between two eternities.\" But as a metaphor for the collapse of inherited values, reflecting environmental changes and the very nature of time. Glass is an element that reflects these same questions: a broken glass reminds us of impermanence, the present moment and our temporality."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"In Little Shards, drawings made with rescued shards, the artist creates an intuitive composition of fragments that form free and colourful drawings, aligned by their sharp edges. It is a geometry of touch. There is a childlike imagination in the playful-spatial constructions, which perhaps reflect the artist's dream of freedom."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"In the Amalgamated works, translucent circles of crystal and glass are fused at high temperatures. He composes the lost shards in a clay gourd and, by fusing them, completes the transmutation of waste into artwork. Like an alchemist, he wants to return the shards to their original state: minerals or stones."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"The Shattered works, minute pieces, almost glass dust, are piled in the broken remains of the clay moulds of the Amalgamated and show that the work of art and its beauty are born from disaster. The beauty of the utilitarian object no longer matters, but rather the preciousness of the fragment, in the reduction of matter to the universe of minimal things. Aware that our inherited structural systems are driving us towards the collapse, Renato proposes that to survive disaster, it will be necessary for us to reach ground zero, departing from the little shards and return to dust."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"In certain spiritual traditions, the act of breaking objects represents the release of negative energies and the creation of space for the new. On the stage of Galeria Terreirinho, the works are articulated like a puzzle, but act as a great ritual that celebrates ludic potency, evidencing the play of transformations of the art and the life, always in reinvention, in perpetual becoming."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"The work affirms the infinite possibilities of reconstruction and regeneration in the face of fragility, echoing propositions like Walking (Caminhando) by Lygia Clark, or the Little Nothings (Droguinhas) by Mira Schendel. Against dystopia, Renato reveals the magic of art, capable of sustaining paradoxes in his palimpsest. From it, he extracts the poetic beauty that manifests through historical vulnerability and, within it, affirms the unsustainability of a past anchored in hierarchical structures."}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Collector of debris, appreciator of the fragile, Renato transforms shards into precious things and offers us the splendorous spectacle of the art's unfolding event. As Armando Freitas Filho poeticized: \"All that is fragile shines without fear of splendour.”"}},{"type":"paragraph","data":{"text":"Paula Terra-Neale Curator"}}],"version":"2.18.0"}

Tudo o que é frágil brilha sem medo do esplendor | 2025-26

All that is fragile shines without fear of splendour | 2025-26

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